James Jessiman, Héctor Delgado, Carlos Revilla

Cuando pienso en este espacio —habitado por restos de máquinas, cuerpos que replantean la anatomía humana, seres surgidos de la catástrofe, y una vegetación que inventa nuevas formas de supervivencia y autonomía— entiendo que aquí opera una fuerza metafísica que desordena y reescribe las leyes conocidas. Sobre este territorio, los artistas, cada uno desde su propia lógica, parecen responder a una incongruencia colectiva y social que nos empuja hacia un trance de deshumanización y desarraigo. Ese progreso regresivo, o falso progreso, que beneficia a unos cuantos a costa de todos, provoca una reacción que se manifiesta en una atmósfera de ensueño (pero afiebrado). Frente a la pérdida, se genera un suelo híbrido donde el cuerpo y el objeto —entendiendo cuerpo como humano, animal o vegetal— se superponen, se fusionan y se reorganizan para imaginar nuevas formas de existencia. En la obra de Carlos Revilla entramos a un laboratorio donde cuerpo y máquina coexisten en un mismo plano de intensidad. Sus figuras componen un territorio en el que la sensualidad se filtra en estructuras que, a primera vista, podrían parecer rígidas, irónicas o incluso hostiles. Formado en el clima del surrealismo europeo de posguerra, Revilla desarrolló un lenguaje ácido, escéptico y cargado de erotismo para enfrentar las promesas tecnológicas de su época: un mundo que celebraba el progreso mientras generaba nuevos dispositivos de control, deshumanización e incertidumbre. En sus pinturas, las extremidades móviles, las prótesis y las máquinas no solo evocan la tradición surrealista del ensamblaje y del autómata, sino que señalan la forma en que la modernidad produce cuerpos fragmentados y deseos vigilados. Con Héctor Delgado ingresamos en un territorio posterior al colapso, donde el mundo parece rehacerse a partir de sus propios desechos. Sus collages están poblados por criaturas mutantes que habitan un terreno casi infértil, desértico y distópico, pero capaz de generar sus propios sistemas. Lejos de proponer un caos gratuito, cada obra instaura un microecosistema regido por lógicas internas, donde lo impuro, lo no-humano y lo marginal se convierten en agentes activos de recomposición. James Jessiman, en cambio, trabaja desde la investigación y el viaje. Sus esculturas en bronce (baterías y orquídeas que se enlazan en un mismo circuito) son el resultado de mitologías recogidas durante su recorrido por Perú. Donde la búsqueda de poder implica el desplazamiento y la extracción, se piensan alternativas: máquinas que parecen activarse por fuerzas afectivas: motores alimentados por el deseo, dispositivos y transmisores que captan señales emocionales. En sus piezas, Jessiman desvanece la distinción entre herramienta y organismo para abrir paso a artefactos que reformulan la relación entre materia, cuerpo y sentimiento. Cuando pienso en este espacio, entiendo que el recorrido avanza del derrumbe a la mutación: primero, el choque de sistemas agotados; luego, la recomposición hecha de restos, señales y brotes improbables; y, finalmente, la aparición de nuevas entidades híbridas. En esta sala, lo que emerge no es una nostalgia de lo perdido, sino una afirmación radical: el porvenir pertenece a lo inestable, a lo impuro, a lo lúdico y a lo improbable. A todo eso que, incluso en medio del colapso, insiste en vivir. Tarissa Revilla